Non è esagerato dire che Pompei, sepolta sotto metri di cenere per secoli, abbia contribuito a risvegliare l’anima artistica dell’Europa del Settecento. Le sue rovine, riemerse silenziosamente dalle profondità del tempo, non hanno soltanto restituito frammenti di un’antica civiltà: hanno acceso una rivoluzione estetica e culturale. Un mondo perduto si offriva nuovamente allo sguardo dell’uomo moderno, e con esso tornava in vita una visione dell’arte classica che avrebbe plasmato il gusto europeo per oltre un secolo.
Quando nel XVIII secolo iniziarono gli scavi sistematici a Pompei e a Ercolano, l’interesse si diffuse rapidamente. La notizia si sparse come un’eco affascinante in tutta Europa, suscitando l’entusiasmo degli intellettuali, degli artisti e dei viaggiatori. Uno dei primi a percepirne il valore fu Johann Joachim Winckelmann, celebre classicista tedesco, che visitò Napoli per la prima volta nel 1755. Le sue parole, dense di ammirazione per la bellezza dell’antichità, contribuirono in modo determinante a consacrare Pompei come fonte d’ispirazione per l’arte neoclassica.
Quasi in parallelo, le incisioni del veneziano Giambattista Piranesi offrirono un altro potente mezzo di diffusione: le rovine venivano immortalate in immagini suggestive, capaci di catturare l’immaginazione di chi, pur non potendo viaggiare, poteva comunque “vedere” Pompei attraverso l’arte.
È così che Napoli, Pompei ed Ercolano diventarono tappe fondamentali del Grand Tour, il viaggio formativo dei giovani aristocratici europei, in particolare inglesi, che percorrevano l’Italia per completare la loro educazione. E proprio questi viaggiatori, al ritorno in patria, contribuirono a diffondere il gusto per l’antico, influenzando le arti decorative, l’architettura e la pittura.
I freschi pompeiani, con i loro colori brillanti e le composizioni eleganti, conquistarono gli interior designer dell’epoca. Le pareti dipinte dell’antica città ispirarono le decorazioni domestiche dell’alta società europea. In Inghilterra, gli architetti James e Robert Adam resero celebre l’uso di stucchi decorativi con motivi classici ispirati proprio agli affreschi pompeiani, dando vita a un nuovo stile che portava l’antico direttamente negli interni delle case borghesi.
In Francia, lo stile Luigi XVI accolse a pieno i motivi pompeiani: l’appartamento della regina Maria Antonietta a Fontainebleau ne è una delle massime espressioni. I tralci, i medaglioni, le figure mitologiche che ornavano le pareti pompeiane divennero parte integrante del linguaggio decorativo dell’epoca.
Anche la pittura trovò nuova linfa dagli scavi: Jacques-Louis David, protagonista della pittura neoclassica, e il suo allievo Jean-Auguste-Dominique Ingres, trassero ispirazione dalle scene quotidiane, dai gesti, dagli abiti e dai volti che Pompei aveva congelato nel tempo. L’arte, per loro, tornava a essere messaggio e simbolo, in linea con l’etica e l’estetica dell’antico.
È così che il Neoclassicismo, nato dalle ceneri del Vesuvio, rimpiazzò lo stile frivolo e decorativo del Rococò. L’arte tornava all’essenzialità, alla misura, alla forza simbolica dei miti e delle forme greco-romane. Divenne lo stile della Rivoluzione francese e dell’epoca napoleonica, rappresentando idealmente i valori della ragione, della virtù e del ritorno all’ordine.
Pompei, dunque, non fu solo un sito archeologico: fu una fonte di rinascita culturale, un simbolo di eternità, un ponte tra passato e futuro. Dal silenzio delle sue pietre è risuonato il linguaggio universale della bellezza, capace di risvegliare il genio creativo di un intero continente. E ancora oggi, chi percorre le sue strade, chi osserva i suoi affreschi, può percepire quella stessa vibrazione che, secoli fa, trasformò il volto dell’arte europea.
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